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Exposición “Body & Soul”

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Hasta el pasado mes de marzo se pudo visitar esta exposición en el prestigioso MAD (Museum of Arts and Design) de Nueva York. Esta es una de las más importantes exposiciones que se han realizado de escultura cerámica en los últimos años, principalmente por lo rompedor de su propuesta.

Y esta propuesta fue la escultura cerámica, casi en su totalidad figurativa, con un profundo contenido de denuncia social. Participaron alrededor de veinticinco artistas internacionales entre los que encontramos a la catalana Teresa Gironés. La organización y comisariado de la muestra estuvo a cargo de Wendy Tarlow Kaplan con la colaboración de Laurent de Verneuil y Martin S. Kaplan y la ayuda de David McFadden, William and Mildred Lasdon, conservadores del MAD.

En el siguiente artículo, el ceramista y crítico norteamericano Anthony Merino nos acompaña en la visita a esta exposición, cuyas obras, además del placer estético, exigen una lectura crítica a acorde con el compromiso que adquieren.

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Encuentro entre lo Grotesco y lo Kitsch:
“Body and Soul: New International Ceramics”

por Anthony Merino

En un sentido amplio, lo grotesco y lo kitsch cumplen la función de subvertir la norma a través de métodos opuestos. Lo grotesco actúa como una “pistola de calor” para el barniz de urbanidad que ponemos en la realidad y lo destroza. Este proceso presenta al desnudo lo duro, incomodo y desagradable de la condición humana. Lo Kitsch reviste la realidad con capas hasta que solo se muestra la más sombría y clara sensación de la misma. La mayoría de los artistas de “Body and Soul: New International Ceramics” emplean uno de estos estilos, o ambos, para provocar al espectador.

Un buen número de artistas hacen referencia en su trabajo tanto a elementos grotescos como kitsch. Jessica Harrison combina magistralmente ambos géneros para crear imágenes inolvidables. La artista mutila figuras de porcelana que ha encontrado usando resina epoxy y pintura de esmalte. Las piezas originales son esencialmente iconos pastoriles de una era imaginada en la que las mujeres entendian la seducción como feminidad sin objeciones. Irónicamente, Harrison dota a las figuras de más individualidad que el objeto original. La artista obtiene matices y sutiles sentimientos a partir de mutaciones vulgares y de mal gusto. En “Andrea”, Harrison esculpe la figura que sostiene su cabeza decapitada frente a su cuerpo. La imposibilidad y el absurdo de esto hace que el trabajo sea morbosamente divertido. Por el contrario, en “Mairi”, Harrison rompe sólo la mitad del cuello. A falta de lo absurdo de “Andrea”, esta pieza llega a ser incluso más inquietante. La más increíblemente perturbadora pieza de la artista sería “Ethel”. El brazo izquierdo de la estatuilla sujeta sus intestinos como si la figura se destripase a si misma. Este trabajo se convierte en un emblema de la anorexia. La figura femenina dirige su mutilación con el fin de adaptarse a un ideal abstracto e inalcanzable de belleza.

Otros dos artistas de la exposición también combinan con gran éxito elementos grotescos y kitsch en su trabajo.

Chris Antemann, en colaboración con el fotógrafo Kendrick Moholt expuso una muestra de fotografía sobre una de las esculturas de la artista. La imagen “Feast of Impropriety” (Festín de incorrección) representa una combinacion de estatuillas desnudas disfrutando de un festín de excesos gastronómicos y vitales. Los gestos de las figuras los muestran de forma grotesca. Los personajes y la gran saturación de imágenes florales constituyen claramente un estilo “kitsch”. Antemann sustituye la formalidad de Harrison por un sentido de indulgencia. El trabajo se interpreta como un 51 por cien de condenación y un 49 por cien de celebración.

Mournir Fatmi transforma lo grotesco en Kitsch en “Forget” (Olvidar), con diez cráneos negros tocados con cascos de obrero. El trabajo tiene la intención de representar las brutales condiciones de los trabajadores de la minería y la construcción. La calavera es una evidente referencia a la muerte. El contexto está alterado por el artista dejando la dentadura blanca. El diseño es incómodamente parecido a la práctica del “black face” (el maquillaje con el que en el vodevil un actor se pintaba la cara para representar a una persona de color, y que hoy en día se considera un tanto ofensivo). Esta referencia cultural replantea el contenido de la obra. En el mejor de los casos, el trabajo de Fatmi funciona como un espejo y despierta en el espectador el sentido de culpa, ya que de alguna forma se aprovecha o saca partido de su desgracia. En el peor, la pieza trivializa el tema, utilizando sarcásticamente el planteamiento original y relacionándolo con el racismo institucionalizado occidental.

El grupo más numeroso de artistas incluidos en “Body and Soul: New International Ceramics” encontramos a algunos que utilizan únicamente elementos grotescos para provocar la empatía del espectador. Cómo ocurre con Harrison, las desconcertantes imágenes de Tip Tolan subvierten los ideales de genero. El artista niega al espectador cualquier sensación de comodidad en “Grace Flirt”. Una escultura de tamaño natural de una mujer pubescente con labios hinchados pintados de color carmesí. Mediante la perversa exageración, tanto del color como de la forma de los labios, Toland representa una perturbadora imagen de inadecuada sexualidad. La figura se inclina hacia el espectador como si quisiera involucrarle. Al mismo tiempo, sus brazos están cruzados sobre su torso en una postura defensiva. Con una extrema habilidad en la representación de los rasgos humanos y el gesto, Toland crea una imagen impresionante de la vulnerabilidad y el patetismo.

Michel Gouéry sorprende al espectador mediante el surrealismo. Gouéry aporta dos de las imágenes más inquietantes de la exposición en “Riri” y “Fifí”, dos figuras femeninas sedentes de tamaño natural. El artista sustituye la piel por abalorios y cuero cosido. En lugar de cabezas, Gouéry coloca dos cascos de aspecto perverso, uno con una abertura en lugar de una cara, el otro similar a un robot con forma de grillo. El abdomen de cada figura parece lleno de vida, pero las extremidades están como vacías. Este detalle crea una narración escalofriante de una figura sin identidad.

Todos estos artistas son estilísticamente muy pulidos y refinados. “Body & Soul” incluye varios artistas cuya obra es primitiva. Dos se destacan de este grupo: Daphné Corregan, que muestra un busto “Smared Face” (Cara manchada) en el que los ojos están cubierto con una máscara oscura mientras el rojo seco se utiliza para los labios y los puntos que cubren la pieza. Procedente de los encuentros del artista con víctimas de la guerra en África y en la antigua Yugoslavia, la imagen refleja un arquetico de la figura trágica del Arlequin. Por otro lado, Kiara Kristalova contribuye con una de las imágenes más terribles de la exposición “Hollow”, que muestra una figura cuyo ha sido vaciado. Kristalova realiza su trabajo con una estudiada torpeza que crea un aura de autenticidad. El aspecto, que aparenta estar poco trabajado,
hace que se lea como un documento y no como una imagen. Algunos otros artistas incluyen imágenes que están igualmente sin pulir, pero solo la obra de Teresa Girones genera la misma resonancia. Como Corregan y Kristalova, Girones evoca la empatía del espectador. Muchos otros artistas incluyen obras que se aproximan a estos presupuestos, pero no con tanto éxito.

Algunos artistas han hecho un trabajo inspirado directamente por el kitsch. Kim Simmonsson aportó unas esculturas casi de tamaño natural parecen figuritas “Precious Moment” (figuritas de porcelana extremadamente cursis y amables) distorsionadas. En sus comentarios sobre su obra, el artista afirma: “Yo juego con el rol de la inocencia. Los niños y los animales son mis actores. Presentan actos perturbadores que no se espera de ellos. A veces, la superficie estética casi oculta el terror. “Carrie II”, cuyo tema está sacado de la novela de Stephen King, representa una figura joven con su cabeza inclinada y lo que parece alquitrán gotea de sus pesados mechones de pelo. En “Sin título”, Simonsson coloca dos hijos, varón y mujer de rodillas frente a una niña. La niña tiene una pistola oculta a su espalda. Este juego de relatos horribles articulados con iconos muy edulcorados crea unas imágenes realmente espeluznantes.

La contribución de Valérie Delarue y Elsa Sahal son obras demasiado crípticas para ser grotescas o kitsch, pero resultan tan fascinantes como la mayoría de las otras obras incluidas en la exposición. Delarue mostró “Corps au Travail” (“Body of Work”), un trabajo de vídeo en la que el artista hace movimientos de danza y acrobacias en una habitación cuyo suelo y paredes están recubiertos de arcilla húma. De forma casi clínica, retrata una contorsionado desnudo femenino, pero el contenido no resulta erótico ni remite al “voyeur”. Con un alto nivel de abstracción, el artista invierte la relación entre el material y el creador. En esta obra el artista debe adaptarse a la voluntad del material. Sahal crea un sentido de monumentalidad en “Pies negros”, un par de pies bajo dos pilares cónicos y alargados. La única hipótesis definitiva que se puede hacer es que la única imagen directa son los pies. A partir de esto, el artista permite al espectador dar a la imagen el significado que quiera o que pueda.

La dicotomía de lo grotesco y lo kitsch se basa en un vínculo conceptual. Todo aquello que se encuentra bajo la superficie, ya sea físicamente, como tripas o sangre, o metafóricamente, como la política o la crueldad, es repulsivo. Todo aquello que aparece en las capas superiores de la superficie, es falso. Los mejores artistas que participan en “Body & Soul” utilizan estas asociaciones para llevar al espectador hacia la ira o la empatía. La arcilla es el material con el que trabajan, la percepción humana y las emociones son sus medios de comunicación.

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Tony Merino recibió su MFA (Maestría en Bellas Artes) en la Universidad de North Texas en 1992. Además de impartir clases ha desarrollado una intensa labor como comisario de exposiciones, dictando conferencias e impartiendo cursos, además de desarrollar su labor como ceramista.

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Se prohíbe el uso o reproducción del texto, que se publica en Infoceramica con permiso del autor. Las fotos han sido enviadas por el Museum of Art and Design MAD , a quien agradecemos su colaboración. Este artículo se publica exclusivamente para la promoción de la exposición y la obra de los artistas, queda prohibida su reproducción sin permiso expreso del autor.

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