El Master Universitario oficial de la Facultad de Bellas Artes UPV/EHU pretende especializar graduados en la teoría y la práctica cerámica en todas sus manifestaciones artísticas contemporáneas, abordando la relación entre arte y diseño, con la escultura como referente más significativo.

El Máster incorpora el desarrollo disciplinar de la cerámica a los estudios de postgrado, posibilitando la vertiente de la investigación académica para las alumnas/os que deseen concluir sus estudios universitarios con la tesis doctoral.

Permite una formación experimental teórico/práctica, profundizando en los conocimientos de los estudiantes procedentes de Bellas Artes, Hª del Arte, Arquitectura, etc,  así como el alumnado de otras disciplinas con un currículum personal cerámico y escultórico, con el objetivo de capacitarlos profesionalmente.

Facilita afrontar con éxito el desarrollo del producto cerámico, desde su concepción y pertinencia hasta su ajuste, entendido como adecuación de materia y forma a las exigencias del contexto.

Los objetivos formativos del máster se articulan en tres direcciones:

• Adquirir y desarrollar competencias así como destrezas relacionadas con el análisis y la creación de proyectos escultóricos cerámicos.
• Percibir, comprender y expresar diferentes realidades relacionadas con el análisis y la creación del diseño cerámico.
• Desarrollar habilidades de pensamiento, perceptivas, comunicativas y estéticas relacionadas con la cerámica y el Arte Contemporáneo.

Distribución de créditos: Total, 60 créditos

• Materias obligatorias: 38 créditos.
• Materias optativas: 6 créditos.
• Prácticas en empresa: 7 créditos.
• Trabajo Fin de Máster: 9 créditos.

Durante el mes de mayo se puede visitar en la galería Erskine, Hall & Coe, de Londres, la exposición “Lluna nova”, del artista catalán Claudi Casanovas, compuesta por quince esculturas que exploran ideas relacionadas con la oscuridad y el renacimiento.

Nigra sum sed Formosa.

En esta exposición pueden verse quince grandes piezas de cerámica, que se intuyen macizas, masivas, como grandes piedras desgastadas por el tiempo. El mismo Claudi Casanovas nos aclara en el texto de presentación que estas pueden entenderse como piezas individuales, aunque en la Galería Erskine, Hall & Coe se muestren en forma de instalación.

Las esculturas de esta serie tienen tal rotundidad que llenan cualquier espacio con su sola presencia, podríamos hablar de su relación con la naturaleza desde la estética: la belleza geológica…, las fuerzas telúricas… o la creación magmática… Pero sería caer en lugares comunes cuando se habla de la relación de la obra cerámica con la naturaleza. En el caso de esta exposición, es el título de la misma, “LLuna Nova”, el que nos condiciona la forma en que nos acercamos a las esculturas. “Luna nueva”, el período oscuro en que la Luna es invisible desde la Tierra,  a partir del cual la luz vuelve a ser visible, como un símbolo del renacimiento.

Después, al contemplar las piezas, enseguida nos llaman la atención los títulos: “Moreneta”, “Mare negra”, “Tura” o “Montgrony”, todas ellas Vírgenes negras. La relación con la Luna nueva es clara: el culto de las vírgenes negras (relacionado con la mitología de la diosa  Isis, en Egipto, asociada con la luz, la sabiduría y, como no, con el renacimiento) que tiene su festividad el 15 de agosto, coincidiendo con la cosecha, es la celebración de la vida, de la luz sobre las sombras.

Estas Vírgenes negras, de gran tradición en Catalunya, están también relacionadas con las diosas de la fertilidad, como la griega Cibeles, deidad de la tierra y la naturaleza, cuyo símbolo era una piedra negra, un meteorito. Otra vez todo encaja, estas grandes “piedras negras” nos llevan también al renacimiento, a la creación.

La metáfora es, en cierto modo, la belleza de la poesía; y, en este caso, la belleza de la propia metáfora es evidente: hablamos de rocas, de diosas egipcias y cristianas, de las fases de la Luna y de la oscuridad; del renacimiento de la naturaleza, de la formamos parte, de nuestra propia luz después de las tinieblas.

La obra de Claudi Casanovas, como es habitual, nos pone frente a nosotros mismos; no nos ofrece respuestas, sino preguntas. Nos obliga a ver más allá de la mirada y, como toda obra de arte, nos exige que entremos en un mundo invisible, que nos adentremos en la oscuridad, en el corazón de las tinieblas, en el horror, que diría Conrad; en este caso para buscar el renacimiento, la luz.

El final, como el principio: Nigra sum sed Formosa (soy negra, pero hermosa)

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(…) Somos individuos, aunque al mismo tiempo, formamos parte de una comunidad y nos relacionamos con los demás. El tamaño, la forma, el color y la textura de cada pieza se entrelazan: en busca del origen.

La belleza original de la fruta, de un huevo, de una roca, de la luna.

Trato de trabajar con un sistema que permite la integración de los errores … Como en la naturaleza, donde las mutaciones son el origen de la evolución.

Cada uno tiene sus propias asociaciones con imágenes, emociones e ideas relacionadas con las obras. Es como la música, que evoca “algo” único en cada uno de nosotros “.

Claudi Casanovas

Extracto del texto del propio artista utilizado como presentación de la exposición, publicado por la Galería Erskine, Hall & Coe en su página web.

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 Texto: Wladimir Vivas

Durante el mes de marzo pasado se realizó un curso de construcción y cocción de horno de tiro invertido de leña en Pelahustán (Toledo), bajo la dirección de Wali Hawes. El curso como tal se convirtió en un encuentro en el que cada cual aportó lo mejor de sus conocimientos con el resultado de la construcción de un horno que, si bien no funcionó a la primera, está en proceso de ajuste y sin duda conseguiremos que funcione.

Arturo Araujo, estudiante de cerámica, escribió esta crónica del proceso de construcción:

Como complemento al texto de Arturo, decir que esa primera cocción no resultó completa: la cámara de combustión del horno se llenó excesivamente de ascuas y no se pudo completar. Posteriormente se hizo una segunda cocción, a la que volvieron a acudir todos los participantes, y para la que se aisló la parte superior del horno. Este aislamiento fue insuficiente, aunque esta nueva cocción sirvió para detectar algunos de los fallos: insuficiente aislamiento y, sobre todo, falta de entradas de aire en la cámara de combustión.

A finales de abril se hizo una tercera cocción, en esta ocasión se abrieron agujeros de ventilación en la cámara de combustión y se aislaron las paredes laterales del horno, con el resultado de llegar a más temperatura que en las anteriores ocasiones, aunque sin completar la cocción, que estaba prevista para 1.220 °C.

Durante el verano mejoraremos algunos detalles: incorporación de una parrilla o canal de ventilación en la cámara de combustión, aislamiento completo del horno mediante una capa de fibra de alúmina y otra de barro y paja, y elevar la chimenea al menos un metro más. Con estas modificaciones es de esperar que el horno funcione correctamente.

Continuara…

Nota: La organización devolvió finalmente el importe del curso a los participantes, de ahí la afirmación, al principio del artículo, de que, aunque programado como un curso, finalmente se convirtió en un encuentro entre amigos, muy enriquecedor además.

Este libro recopila el trabajo de veintinueve ceramistas norteamericanos con la intención, plenamente conseguida, de ofrecer una aproximación, no solo al tratamiento de la superficie y la decoración, sino también a la forma de trabajar y crear las piezas, lo que lo convierte en un tratado sobre la forma práctica de utilizar técnicas cerámicas desde la perspectiva de su utilización creativa.

No encontraremos en este volumen las instrucciones de cómo realizar las técnicas propiamente dichas (aunque si algunas recetas de esmaltes o engobes) sino la forma en que cerca de treinta ceramistas las utilizan habitualmente en su trabajo. De este modo encontraremos  ejemplos prácticos de la utilización de texturas, engobes, mayólica, moldes, pintura bajo cubierta, transferencia de imágenes, esgrafito, calcas, serigrafía, deformaciones, diseños, grabado, esmaltes, estampaciones en relieve o esmaltes celadón, entre otras técnicas.

Este libro es el último de la serie “Ceramic Arts Handbook”, que esta editorial ha desarrollado en los últimos años y en la que se han incluido decenas de artículos prácticos sobre el uso de las técnicas cerámicas, como forma de proveer a los ceramistas de una fuente de inspiración y conocimiento sobre las formas alternativas y los usos posibles a técnicas cerámicas ya conocidas.

Cada artículo está escrito, o bien por el propio artista o por otro ceramista que comenta la forma de trabajar de su colega. Esto nos permite, junto a las series de fotografías paso-a-paso y las notas técnicas, no solo reproducir el uso que cada artista hace de las técnicas, sino ver las posibilidades de las mismas. Si ver piezas de otros ceramistas nos puede servir de inspiración, conocer las formas en que estas se realizan nos hacer pensar en las nuevas posibilidades, de tal forma que se multipliquen los usos y progresen las técnicas.

Algo tan natural en un ceramista como es observar un detalle en la obra de otro, y pensar en cómo adaptarlo a nuestro trabajo, se potencia en este libro al comprobar como estos veintinueve artistas desarrollan su creatividad y el uso personal que dan a las ya conocidas técnicas cerámicas. No encontraremos desarrollos novedosos, ni nuevas técnicas, pero podremos comprobar como cada ceramista aporta su grano de arena al desarrollo de las mimas.

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AUTORES

Ursula Hargens, Sam Scott, Courtney Murphy, Linda Gates, Magda Glusek, Jason Bige Burnett, Kristin Pavelka, Andrew Gilliatt, Ben Carter, Jeffrey Spahn, Annie Chritzberg, Gwendolyn Yoppolo, Nancy Zoller, Jim Gotusso, Ann Ruel, Adrian Sandstrom, Laura Reuttel, Connie Norman, Tim Ludwig, Michael Hardbridge, Elizabeth Priddy, Jake Allee, Yoko Sekino-Bove, John Britt, Cheryl Pannabecker, Casey Ruble

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Texto: Wladimir Vivas

Pieza escultórica de pared de Ione Urain Larragaña incluida en la exposición “Hurbiletik- De cerca”, del EKG-Colectivo de ceramistas contemporáneos vascos  y que puede verse hasta el 31 de mayo en el Centro de Artesanía de Aragón, dentro de la programación de CERCO 2013.

“Hesiak Langak eta Sastrakak”.
Porcelana con chamota, óxidos y alambre.

Os incluyo el programa de CERCO Acción, una propuesta que ese año se recupera y que se celebrará el 11 de mayo en el a las 20 h. en el Centro de Artesanía de Aragón (C/ Monasterio de Samos, s/n. Zaragoza -antiguo matadero-), dentro de las actividades de CERCO 2013 (Bienal Internacional de Cerámica Contemporánea).

CERCO Acción une el arte de acción y la cerámica. Con la participación de  Saleta Losada, “Antinomia”; Antonio Chipriana “Capitalismo”, y Miguel Ángel Gil, “¿Todos somos culpables?”.

• ¿Todos somos culpables?
  Miguel Ángel Gil“…Reforzar la autoculpabilidad. Hacer creer al individuo que es solamente él el culpable por su propia desgracia, por causa de la insuficiencia de su inteligencia, de sus capacidades, o de sus esfuerzos. Así, en lugar de rebelarse contra el sistema económico, el individuo se auto desvalida y se culpa, lo que genera un estado depresivo, uno de cuyos efectos es la inhibición de su acción. Y, sin acción, no hay revolución!…”
  ’10 Estrategias de Manipulación’ Noam Chomsky

• Capitalismo
  Antonio Chipriana“El capital no es una palabra negativa, aunque en los tiempos actuales se ha convertido en algo monstruoso, ya que se puede añadir capital a muchos conceptos; capital vital, energético, monetario, orgánico y seguramente muchos más. ¿Cuando se convierte este término en peyorativo?. Cuando le añadimos el sufijo ismo. Todos los ismos, llevan a una radicalización de los conceptos, convirtiéndolos en términos que orquestan a seguidores ciegos. Que aceptan, sin contemplar el daño humano que causan sus doctrinas y aberraciones fanáticas. Partiendo de este hecho y desde ‘mi posición plástica’ reestructuro el Ismo en Istmo como puente y destrucción del término. Pero en este juego el capitalista sigue atento para demostrar que puede aprovechar cualquier circunstancia u oportunidad para hacer negocio.”

• Antinomia
  Saleta Losada“Supervivencia antónima……si me dices respeto actuaré con desobediencia, te escucharé distraída y lucharé para conciliar mi antonimia. Vaciaré los bolsillos de esta absurda realidad que llamamos España, malviviendo para vivir. Y lo que suceda, no será más que una utopía que nos sirva para caminar.”

En el erial de las publicaciones sobre temas cerámicos en España, Ramón Fort da un paso adelante y edita su propio libro sobre técnicas de trabajo al torno de alfarero. Aparte del magnífico contenido del libro, el hecho de promover una publicación de este tipo es suficiente razón para que cuente con todo el apoyo posible.

Como la mayoría de los libros dedicados al tema, “El torno, giro a giro” ofrece una serie de ejemplos de la forma de tornear diferentes formas que pueden servir de referencia a la hora de acometer otros proyectos. Como bien dice el autor “(…) nunca estará de más un recordatorio de los pasos a seguir, una pista que nos lleve al… ¡Ah sí! ¡Ahora me acuerdo!”

El contenido va directo a la práctica, y después de una breve introducción sobre la actitud positiva ante el trabajo con el barro y un apunte sobre la técnica del amasado, ya en la página seis se nos introduce en la forma de centrar la pella sobre el plato del torno. A continuación, y de forma directa y clara, se nos empieza a contar cómo hacer los diferentes tipos de piezas: platos, cuencos, cilindros, piezas con panza, etc; y, también sin más dilación, encontramos los ejemplos de como enfrentarnos a piezas más complejas, como teteras, piezas dobles, copas o la utilización de la técnica del neriage.

Obviamente, cualquiera que haya probado a trabajar al torno sabe que cada uno de los capítulos del libro se traduce en muchas horas de trabajo (¡cuánto le cuesta al principiante centrar la pella!, ¡cuánta fuerza de voluntad hay que tener para conseguir que el barro vaya por donde queremos!). Quizá en eso esté lo práctico de este tipo de libros: para quien empieza, nada mejor que tener una ayuda para ver los defectos que se han cometido y unos consejos a tener en cuenta durante la próxima sesión de trabajo al torno.

El contenido se completa con ejemplos de piezas realizadas por Ramón Fort. Quizá hubiera sido una buena idea incluir más galerías de fotos de trabajos de diferentes ceramistas o, incluso, de piezas tradicionales. En cualquier caso, un gran “tornero” como es Ramón Fort ofrece un muestrario de estupendas piezas en las que los lectores encontrarán inspiración para partir hacia su propia expresión.

En definitiva, un buen libro que merece todo nuestro respeto y apoyo, y que deseamos sea el principio de un nuevo movimiento de autoedición por parte de ceramistas y especialistas en cerámica. Pero para ello debemos hacer el esfuerzo de premiar a los autores con la compra y la promoción del libro.

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RAMÓN FORT

Nace en Montblanc (Tarragona) en 1954. Se inició en la cerámica a principìos de los ochenta, después de trabajar como carpintero y estudiar sociología, y lo hizo de forma autodidacta y asistiendo a cursos de técnicas cerámicas. Durante los años 1982 y 1986 combinó su propia obra con la docencia en la Escola de Cerámica de La Bisbal. En 1988 inauguró en Llers (Girona) el Taller Escola de Cerámica Ramón Fort, donde imparte cursos monográficos e intensivos, además de organizar cursos con otros docentes.

Ramón Fort ha experimentado ampliamente con técnicas como el rakú y las cocciones alternativas o experimentales, así como con la inclusión de elementos ajenos a la cerámica en sus esculturas, ha participado en decenas de exposiciones e impartido cursos en diferentes lugares de España y el extranjero. También ha recibido varios premios y menciones.

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Texto: Wladimir Vivas

Pequeña pieza de cerámica funcional africana, de Etiopia. De esta cafetera hay que destacar la armonía de la forma, la belleza del bruñido y la disposición perfecta del asa y el pitorro, además de la cocción a fuego abierto que le aporta el color negro aunque dejando ver tonos rojos de la pasta utilizada.

“Cafetera”
Colección particular de Juan Rivero.

El próximo sábado 11 de mayo, el equipo de Infoceramica estaremos a las 11,30 de la mañana en el Antiguo Matadero de Zaragoza, sede actual de la Asociación de Artesanos de Aragón, para hacer una presentación del proyecto Infoceramica.

En esta presentación podréis conocer todo lo que rodea este proyecto, que tiene como objetivo ofrecer servicios a los ceramistas y aficionados a la cerámica en todas sus vertientes.

Explicaremos los objetivos que nos mueven, el funcionamiento actual y los proyectos que estamos desarrollando, así como la forma en que estos os pueden favorecer.

Más información sobre CERCO 2013: www.cerco.es

La galería Puls, de Bruselas, dirigida por Annette Sloth, programa del 20 de abril al 1 de junio la exposición de Joan Serra, en la que se podrá ver la última obra del ceramista catalán, que continúa con su estudio sobre la utilización de los efectos de la cocción sobre el barro para el desarrollo de su obra creativa.

Heidegger nos dijo:  ”si todo arte es en esencia poesía, a ella debe reducirse entonces la arquitectura, la escultura, la música” (Arte y Poesía,  Martin Heidegger). A esta idea del arte como revelador de la esencia de las cosas se puede añadir que cada expresión artística es un acercamiento a esa poesía desde un lenguaje único. A la arquitectura, la escultura y la música que citaba el filósofo alemán hay que añadir la pintura, el teatro, la literatura y, como no, la cerámica.

Y quizá una de las cosas que definen el lenguaje cerámico es la creación del objeto y la relación entre los atributos que le caracterizan: la forma en que ocupa el espacio, como en la escultura, o los efectos cromáticos de su superficie, que la acercan a la pintura. Pero lo que supone la particularidad de la cerámica puede ser la relación que el artista establece con los procesos y, muy especialmente, con la naturaleza. Porque recrear los procesos de la naturaleza es, básicamente, lo que hace el horno.

Joan Serra nos transmite la poesía de la creación misma, sus piezas operan como la metáfora (la necesaria metáfora como reorganizadora del pensamiento humano) para hablarnos de la creación misma del mundo, esto es, del ser humano.Y lo hace “utilizando” los procesos cerámicos como laboratorio en el que reproducir los ciclos geológicos, las corrientes magmáticas que surgen del centro mismo de la Tierra (otra vez la metáforta…). Serra nos presenta, bajo el aspecto de una agradable pieza de cerámica, todo el infierno que oculta la corteza terrestre, el espectáculo horrible de los procesos necesarios que hacen posible la existencia del Paraíso.  No reproduce la belleza de lo visible, sino que la hace visible (con permiso de Paul Klee: El arte no reproduce lo visible, hace visible).

La obra de Joan Serra invoca los procesos cerámicos, no desde el control absoluto de los resultados, sino desde la colaboración. Como ha sido en la cerámica desde que se descubrió la transformación del barro mediante la cocción, el ceramista propone, pero el fuego dispone. Serra aporta la idea, la poesía; y mediante el conocimiento de los materiales, establece las pautas, para después dejar la última labor “creativa” a la cocción.

Esta exposición es cerámica en estado puro, nos pone ante la realidad de que, hasta el más genial de los artistas, al abrir un horno siente la humildad de reconocer que no sabe realmente que encontrará, que la sorpresa es posible y, en el caso de Joan Serra, deseable.

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Catalunya, junto a Dinamarca, son dos de las más excitantes áreas de Europa para la cerámica contemporánea. Joan Serra es, sin duda, uno de sus mejores exponentes. Su nueva obra que puede verse en su primera exposición en la galería Puls le muestra como un maestro del diálogo con la naturaleza. Sus composiciones abstractas de cerámica agrietada y fundida son una potente secuencia de hechos geológicos casi visuales. Serra rompe, deforma, altera y “sobre-cuece”; agrietando y fundiendo el barro hasta transformarlo en una suerte de Land Art en miniatura. La cerámica de Joan Serra es el caos del fuego llevado hasta sus límites; Un testimonio de la violencia de la Tierra que confirma e incluso exalta nuestra minúscula escla ahumana.

Algunas piezas se agrietan y funden hasta un estado irreversible, un “Armagedon” de barro. Colapsan, caen, se desintegran o, simplemente, se funden, creando un aura de misterio alrededor del destino impredecible de la Naturaleza. Todo tiene un principio y un final, sus piezas cerámicas reflejan claramente esta realidad.

Texto de presentación de la exposición publicado por la Galería Puls

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 Texto: Wladimir Vivas