Benwell Stephen. “Lugar con estatua y árboles”, 2024. Loza y esmaltes. 23 × 26 cm. (Foto: David McArthur.)
Hasta hace unos días se pudo ver esta exposición en la Galería Kunstforum, en la ciudad suiza de Solothurn, con catorce ceramistas internacionales de primera fila
UNKNOWN PLACES
Texto de la Galería
Stephen Benwell (AUS), Pippin Drysdale (AUS), Ken Eastman (UK), Laure Gonthier (CH), Hermann Grüneberg (DE), Myung-Joo Kim (KR), Brigitte Pénicaud (FR), Laurin Schaub (CH), Isabelle Schick (CH), Paul Scott (UK), Naoki Takada (JP), Akio Takamori (JP/USA), Lena Takamori (USA/UK), Masamichi Yoshikawa (JP)
Los títulos de las exposiciones constituyen un elemento clave cuando planifico una muestra temática. Funcionan como marco de referencia para la búsqueda de obras que se correspondan con mi idea y mi intención. Sin embargo, el título suele cambiar a lo largo del desarrollo del proyecto expositivo, ya que el inicialmente elegido puede resultar demasiado restrictivo para la selección de piezas. Esta vez ocurrió lo mismo: me atraía la musicalidad de paysages inconnus, pero a medida que profundizaba en el tema y clarificaba lo que realmente me interesaba mostrar, resultó estar demasiado centrado en el concepto de paisaje.
La palabra PLACE puede traducirse al alemán de diversas maneras (Platz, Ort, Standort, Stelle). Al seleccionar las obras que formarían parte de esta exposición, me interesaba precisamente su localización ambigua e indefinida, lo cual suscitaba las siguientes preguntas: ¿Tiene esta localización alguna relación con el entorno donde vive y trabaja el o la artista? ¿Qué influencia ejerce el lugar de creación sobre la obra? ¿Es posible localizar estas piezas en el contexto del arte?
La exposición UNKNOWN PLACES reúne obras de catorce ceramistas que abordan este tema desde enfoques muy diversos.
Stephen Benwell (*1953, Australia) trabaja con cerámica, dibujo, obra sobre papel y pintura. Aunque no tiene formación formal en cerámica, este medio constituye la base de su práctica artística. En sus obras combina lo cerámico con las preocupaciones pictóricas y escultóricas del arte contemporáneo. Las piezas expuestas reflejan influencias de la historia del arte y su afinidad con los países del Mediterráneo, en especial Italia.
Pippin Drysdale (*1943, Australia) concibió su sensual serie de vasijas tras sobrevolar el desierto de Tanami, en el noroeste australiano. Las impresiones y sensaciones que le dejó ese viaje se manifiestan en su serie Tanami. Hoy en día, también se inspira en otros paisajes y arrecifes de coral. Sus obras se caracterizan por los colores del paisaje australiano y por la influencia del arte aborigen.
Pippin Drysdale. “Lyre Bird Siding”, 2020. 25 × 22. (Foto: Robert Frith Acorn.)
Ken Eastman (*1960, Inglaterra) crea piezas fascinantes y de múltiples facetas. La textura y la suavidad se alternan; las formas naturalistas se transforman en líneas arquitectónicas angulosas. Sus obras reflejan las impresiones del paisaje y la arquitectura que el artista recopila en sus recorridos en bicicleta por Herefordshire, un condado conocido por sus colinas onduladas y campos verdes.
Ken Eastman. “Away from it all”, 2025. Gres, engobes y óxidos. 27 × 10 × 23 cm.
Laure Gonthier (*1983, Suiza) explora la transformación del material y la memoria. Tras una estancia en los paisajes nevados de Spitsbergen, Noruega, creó la escultura Peau de glace (Piel de hielo), que evoca tanto la nitidez del hielo como las formas difusas de la espuma marina. Fascinada por las canteras, Gonthier extrae fragmentos de paisaje para trasladarlos a un nuevo contexto, como sucede en Artifice IX y Artifice XI, obras creadas en 2015 como parte de la serie La tendresse des pierres.
Laure Gonthier. “Peau de Glace”, 2017. Gres esmaltado. 49 × 49 × 40 cm.
Hermann Grüneberg (*1983, Alemania) transita con soltura entre lo sagrado y lo profano, integrando referencias histórico-artísticas, mediáticas e interculturales. Sus platos murales —tradicionalmente asociados a una estética burguesa— se convierten en soportes donde la supuesta idílica cotidianeidad se fragmenta. Su universo está habitado por rostros inquietantes, paisajes sugerentes, criaturas híbridas de otro mundo y figuras religiosas que remiten a un estado sintomático de la sociedad contemporánea.¹
Hermann Grueneberg. “Paar vor Vulkanen”, 2025. Gres, esmaltes y engobes. 33 × 43 × 4 cm. (Foto: Tom Dachs.)
Myung-Joo Kim (*1973, Corea del Sur) crea formas y plantas antropomórficas que exploran la relación entre el ser humano y la naturaleza, evocando la fuerza vital que emerge del interior. Las plantas no representan la naturaleza, sino que encarnan visualmente los procesos vitales y de introspección derivados de la experiencia íntima de la artista. Obras como Homme plante II y Blue pulse remiten a una localización interior, mental.
Kim Myung-Joo. “Blue pulse”, 2023. Gres esmaltado. 47 × 23 × 15 cm.
Brigitte Pénicaud (*1954, Francia) trabaja con una marcada gestualidad. Tornea sus cuencos y deja deliberadamente las huellas del proceso manual, que posteriormente transforma con gestos espontáneos y contundentes, generando formas escultóricas libres e individuales. La superficie, tratada con la misma energía, incorpora una pintura expresiva basada en su entorno inmediato en el centro de Francia.
Brigitte Pénicaud. “Jour de tempete”, 2023. Gres esmaltado. 48 × 42 × 5 cm.
Laurin Schaub (*1984, Suiza) presenta Landscape, una serie de objetos de porcelana para la mesa que forman pequeñas islas, paisajes en miniatura. Su uso no está determinado por su forma; sólo la asignación de una función los convierte en vasijas. Con ello, cuestiona los límites de la funcionalidad y el valor de los objetos cotidianos.²
Laurin Schaub. “Landscapes IV”, 2028. Porcelana esmaltada. 13 × 52 × 38 cm. (Foto: Hansruedi Rohrer.)
Isabelle Schick (*1958, Suiza) reside desde hace años cerca del lago de Gruyère, rodeada de un paisaje ondulado. En las aguas cercanas se encuentran piedras redondeadas por la erosión del río, cuyas formas suaves se reflejan en sus esculturas cerámicas. Los títulos y textos poéticos que acompañan sus obras orientan la atención desde una contemplación paisajística hacia una experiencia física y sensorial.
Isabelle Schick. “Balade V”, 2021. Gres esmaltado. 30 × 26 × 22 cm.
Paul Scott (*1953, Inglaterra) ha abordado a lo largo de su trayectoria temas como la fiebre aftosa o el impacto ambiental de la industria energética. Ha insertado centrales nucleares, térmicas o parques eólicos en paisajes bucólicos y plataformas petrolíferas en regiones árticas vírgenes. Mediante imágenes subversivas, interviene vajillas industriales antiguas para suscitar una mirada crítica y contemporánea. Modifica las escenas originales borrando fragmentos, añadiendo nuevos elementos y reconfigurando el conjunto visual.
Paul Scott. “Cumbrian blue(s) foot & mouth watchtree no2”, 2002. Bandeja de worcester bone china con serigrafía en azul. 33 × 40 × 2 cm
Naoki Takada (*1974, Japón) reproduce en miniatura paisajes montañosos y glaciares inspirados en la tradición japonesa de veneración de la naturaleza. Su serie Bonzan representa montañas sobre bandejas o pedestales. Busca transmitir la belleza sublime de la montaña mediante piezas de apariencia arcaica. El uso del barro —material originario de la formación montañosa— es fundamental para él, ya que le permite revitalizar este lenguaje formal de manera contemporánea.
Naoki Takada. “Bonzan”, 2024. Gres, porcelana y esmaltes. 10 × 50 × 20,5 cm.
Akio Takamori (1950–2017, Japón/EE. UU.) es conocido por sus figuras humanas, representadas con gran sensibilidad y variedad. En la etapa final de su carrera, las rodeó de montañas e islas neblinosas que remiten claramente a la pintura de paisaje en tinta del Este asiático. En esta tradición, montaña y agua forman un par opuesto y complementario, además de constituir los elementos básicos de la cerámica. Pero reducir estas obras a una mera transposición estilística sería simplista: Takamori desarrolló un lenguaje personal que construye un puente entre la cultura japonesa de su infancia y el contexto occidental en el que vivió hasta su muerte.³
Takamori Akio. “Venus with Island”, 2009. Gres y colores bajo cubierta. 69 × 30 × 20 cm y 25 × 23 × 43 cm.
Lena Takamori (*1990, EE. UU./Inglaterra) se inspira en su vida cotidiana. En Cloud exploró el gesto de la huella dactilar y la sensación de movimiento. Estas huellas acabaron convirtiéndose en gotas de lluvia, evocando un día de verano en que observó las nubes moverse sobre un lago. A partir de esta imagen surgió Mountain and Cloud. Sus paisajes y grupos de árboles invitan al espectador a transitar imaginariamente por ellos, explorarlos y habitarlos en la mente.
Takamori Lena. “Mountain and Cloud”, 2024. Gres y esmaltes. 34 × 38 × 30 cm.
Masamichi Yoshikawa (*1946, Japón) trabaja exclusivamente con porcelana, con la que produce obras imponentes que combinan espacio, color y textura, transmitiendo una tensión serena. Fascinado por la relación entre el volumen y el vacío, e inspirado en templos y santuarios, es reconocido por sus formas arquitectónicas cubiertas con un esmalte seihakuji celadón, que evoca un cielo despejado o un glaciar. Para Yoshikawa, el acto creativo es una plegaria: sus obras deben ser un lugar de acogida y benevolencia para los kami, los espíritus que las habitan.
Yoshikawa Masamichi. “Kayho”, 2012. Porcelana y esmalte. 34 × 31 × 31 cm.
¹ Fragmento de: Christin Sobeck, A world in which all worlds fit. Between Adoration, Condemnation and Punk Exoticism of Chance, Ceramics 2020–2022, con textos de Ingo Uhlig y Christin Sobeck, Hasenverlag GmbH, ISBN 978-3-945377-86-4 (traducción del alemán).
² https://laurinschaub.ch/object/landscapes-platters/
³ Fragmento de: Anne-Claire Schumacher, texto para la publicación Akio Takamori: Long Distance, Galerie Kunstforum Solothurn, 2016 (traducción del francés).
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