Lee Jung Suk. “Fragile 1813”, 2018. Presentado por Lloyd Choi Gallery. (Foto: Tian Khee Siong.)
Del 27 de febrero al 1 de marzo se celebró en Somerset House (Londres) la feria Collect, dedicada al arte y el diseño basados en los materiales. Isabel Rodríguez tuvo la oportunidad de charlar con su director, TF Chan, y nos da la oportunidad de conocer sus impresiones sobre la feria, el arte, el diseño y el momento actual de la artesanía creativa
Los materiales y los procesos son el mensaje
Isabel Rodríguez
La última edición de Collect Art Fair, celebrada en Londres, ha vuelto a situar a la artesanía contemporánea en el centro de la escena internacional. Durante varios días, galerías de distintos países presentaron una selección de artistas que exploran las posibilidades de materiales como la cerámica, el vidrio, el textil, la madera o el metal, en un diálogo constante entre tradición y experimentación. La edición de 2026 destacó por su marcada diversidad internacional y por el creciente interés de coleccionistas y público. Hablamos con su director, TF Chan, para conocer su balance de esta edición y las perspectivas de futuro de la feria.
Ahora que Collect 2026 ha concluido, ¿cómo valoraría la edición de este año, tanto en términos de éxito comercial como artístico?
COLLECT 2026 ha tratado de articular una visión renovada de lo que puede ser la feria: claramente internacional, diversa en materiales y enfoques, abierta a nuevas voces —tanto entre los expositores como entre el público— y especialmente relevante para nuestro tiempo. Los más de 400 artistas que expusieron con nosotros representaban más de 50 nacionalidades, y contamos con nuevas galerías y organizaciones artísticas procedentes de Francia, Japón, Países Bajos, Polonia y Portugal.
Cabe destacar especialmente las presentaciones dedicadas a la artesanía y el diseño contemporáneos de Polonia y Brasil, respectivamente a cargo del Polish Creative Industries Institute y de la galería londinense Jig Studio.
Estamos convencidos de que la artesanía es hoy más relevante que nunca, ya que ofrece un antídoto frente a muchos aspectos de la vida contemporánea. Existe una apreciación creciente por el tipo de obras que presentamos, y aunque el mercado del arte atraviesa un momento de cambio, seguimos viendo un fuerte interés por coleccionar artesanía y diseño contemporáneos.
¿El número de visitantes ha cumplido sus expectativas?
Los nuevos expositores nos han comentado que les ha impresionado el nivel de implicación de nuestros coleccionistas. No se interesan únicamente por la apariencia visual o el valor decorativo de las piezas, sino también por conocer las historias de los artistas, los materiales y las técnicas, así como las narrativas que transmiten las obras. Para muchos de ellos, adquirir una pieza en Collect significa también apoyar la trayectoria del artista que hay detrás de la obra.
Además, nuestros coleccionistas habituales no solo compran a galerías que ya conocen, sino también a nuevos expositores, lo que consideramos un respaldo a la selección de la feria.
¿Cuáles han sido los aspectos más destacados de Collect 2026, ya sea en términos de presentaciones de galerías, participación institucional o recepción crítica?
De los más de 400 artistas presentes, 19 son antiguos participantes del LOEWE FOUNDATION Craft Prize, que consideramos la distinción más importante en el ámbito de la artesanía contemporánea. Entre ellos se encuentran el diseñador nigeriano Nifemi Marcus-Bello y la artista india de técnicas mixtas Studio Sumakshi Singh, ambos galardonados con Menciones Especiales en el LOEWE FOUNDATION Craft Prize 2025, cuyas obras se presentaron en una exposición especial. Otros dos artistas son finalistas del LOEWE FOUNDATION Craft Prize 2026: el ceramista surcoreano Jongjin Park (presentado por Daguet-Bresson) y el ceramista danés Morten Løbner Espersen (presentado por Daguet-Bresson y Oxford Ceramics Gallery).
Me llamó especialmente la atención la obra Artistic Stratum Patch (2025) de Jongjin Park, realizada a partir de capas de papel impregnadas en arcilla líquida y comprimidas hasta formar una pieza que posee un marcado carácter arqueológico. Esta obra le valió el reconocimiento como Artista de la Feria en esta edición de Collect.
¿Cómo valoraría el nivel de participación internacional en esta edición? ¿Ha reafirmado Londres su papel como centro global del diseño coleccionable y la artesanía contemporánea?
Esta ha sido la participación internacional más destacada que hemos tenido en los últimos años. En parte se debe a la presencia de nuevos expositores internacionales, como WAJOY y Mono Art, ambos dedicados al lacado japonés, o Daguet-Bresson, una galería francesa especializada en cerámica. Pero también se debe a los expositores con sede en el Reino Unido, que desean ofrecer una plataforma al mejor talento de la artesanía contemporánea, independientemente de su origen geográfico o afiliación cultural.
Me entusiasmó especialmente que Gallery FUMI —una de las principales galerías de Mayfair, en Londres— presentara una exposición individual del emergente ceramista ghanés Kobina Adusah, incluyendo vasijas monumentales que remiten a tradiciones culturales de África occidental, pero con un carácter claramente contemporáneo.
El hecho de que Collect sea un evento único demuestra el papel de Londres como centro global del diseño coleccionable y la artesanía contemporánea. Igualmente, importante es la presencia de numerosos artistas de origen internacional que actualmente viven y trabajan en Londres, como la ceramista Irina Razumovskaya, nacida en la Unión Soviética (presentada por County Hall Pottery), o la artista textil surcoreana Minhee Kim (presentada por Siat Gallery).
También hubo presentaciones de galerías londinenses centradas en artistas procedentes de países tradicionalmente poco representados en las plataformas europeas de artesanía y diseño contemporáneos. Nos alegró especialmente contar con Jig Studio, una galería londinense dedicada exclusivamente a la creatividad contemporánea brasileña, que presentó la obra del artista textil Alex Rocca, con sede en Curitiba, junto con piezas de los diseñadores de mobiliario Humberto da Mata, Ronald Sasson, BONNI y OVO.
Todo ello demuestra la vitalidad cultural de Londres y su notable capacidad de resistencia a pesar de los efectos del Brexit.
Desde su perspectiva como director, ¿qué aspectos han funcionado especialmente bien este año y le gustaría mantener en futuras ediciones?
Un mensaje que repito con frecuencia es que una compra en Collect no solo representa un apoyo al artista. También es un voto de confianza en el ecosistema creativo formado por galerías y organizaciones artísticas que hacen posible que la artesanía contemporánea prospere, y una afirmación del valor de tener menos objetos, pero mejores y más significativos, en nuestras vidas.
Junto con nuestro continuo énfasis en la dimensión internacional y en el diseño coleccionable, sin duda seguiremos transmitiendo este mensaje sobre el significado y el valor de la artesanía en futuras ediciones.
Por el contrario, ¿hay aspectos de la feria —desde el diseño del espacio hasta la programación o la relación con los coleccionistas— que considere necesario reconsiderar o mejorar?
Aunque estamos muy satisfechos con la feria Collect de este año, desde luego no nos dormimos en los laureles. En cuanto a la relación con los coleccionistas, este año hemos tenido éxito colaborando con nuevos socios como Mandarin Oriental Mayfair (nuestro socio de hospitalidad), Birley Clubs y Dover Street Market. Esperamos poder replicar este modelo de forma más amplia en los próximos años para atraer a un público comprador aún más amplio y sofisticado.
¿Observó tendencias emergentes entre los expositores, como experimentación con materiales, prácticas de sostenibilidad o enfoques interdisciplinarios?
En nuestras dos destacadas presentaciones de diseño coleccionable —las de Mia Karlova Galerie, de Ámsterdam, y Max Radford Gallery, de Londres— vimos propuestas que destacaban no solo por la rareza de sus materiales, sino por la transformación de residuos en algo elevado y duradero.
La estrella de la presentación de Mia Karlova Galerie fue el artista checo Vadim Kibardin (nombrado también Artista de la Feria junto con el ceramista surcoreano Jongjin Park). Antiguamente diseñador industrial, Kibardin solía encargar componentes mecanizados de todo el mundo, que llegaban en cajas de cartón “con la vida de una mariposa”. Esa experiencia le inspiró a utilizar cartón reciclado para crear sillas y lámparas increíbles.
En Max Radford Gallery pudimos ver una mesa de café del diseñador alemán Carsten in der Elst realizada con tablero industrial reciclado; un sillón de la diseñadora británico-brasileña Tessa Silva hecho con algodón procedente de excedentes de producción; y otra silla del diseñador británico Lewis Kemmenoe confeccionada mediante un ensamblaje de recortes de maderas exóticas.
Soy reticente a describirlo como una tendencia, ya que las tendencias van y vienen y pueden fomentar la idea de lo desechable. Pero considero que este giro hacia materiales reciclados es un desarrollo muy positivo que demuestra cómo el diseño coleccionable también puede ser beneficioso para el planeta.
En un mercado cada vez más selectivo, ¿cómo se posiciona Collect para seguir siendo relevante y diferenciarse entre las ferias internacionales de arte y diseño?
Collect es la principal feria internacional dedicada al arte y al diseño contemporáneos basados en materiales. Presentamos exclusivamente prácticas como la cerámica, el textil, el vidrio, el lacado, el metal, la joyería de autor o el mobiliario, y el 80 % de las obras expuestas se han realizado en los últimos cinco años.
Al estar organizada por Crafts Council, la organización benéfica nacional del Reino Unido dedicada a la artesanía, somos una feria sin ánimo de lucro que reinvierte la totalidad de sus ingresos en mejorar la experiencia de expositores y público. Además, al centrarnos en el mercado primario, podemos asegurar a los coleccionistas que su inversión tiene un impacto directo y significativo en la carrera de los artistas.
Todas estas características hacen que nuestra propuesta siga siendo única y atractiva en un mercado del arte que a veces puede parecer saturado de ferias.
De cara a 2027, ¿qué ajustes estratégicos o ambiciones están empezando a definir ya su visión para la próxima edición?
Me gustaría ver la feria Collect cada vez más consolidada dentro del calendario internacional del mundo del arte, de modo que no sea solo un punto de encuentro para coleccionistas, comisarios, artistas y entusiastas de la artesanía y el diseño, sino también una cita imprescindible para cualquier persona interesada en la creatividad visual contemporánea.
Frances Priest. “Byzantine V”, “Byzantine VI”, and “Byzantine VIII”, 2022. Presentado por Cavaliero Finn. (Foto: Tian Khee Siong.)
Helena Lacy. “Re-Print 3”, 2025. Cortesía de Caroline Fisher Projects. (Foto: Helena Lacy.)
Chloe Lennon, “Transmutation”, 2023. Cerámica, cobre. 42 × 20 × 20 cm. (Foto cortesía del artista.)
Hanna Salomonsson, “Inside Your Darkest Everything”, 2024. Gres, esmaltes y oro. 57 × 27 × 29 cm. (Foto cortesía del artista.)
Jihyun Kim. “Salty Fairy Ring”, 2023. Porcelana y esmaltes. 16 × 12 × 12 cm. (Foto cortesía del artista.)
Jynsym Ong. “Soul Jar” (Clouds and Fish), 2025. Gres cocido en horno de leña. 52 × 23 × 23 cm. (Foto: Lucy Thorman.)
Oriel Zinaburg. “Instalación”, 2022. Gres, esmaltes y óxidos. (Foto cortesía del artista.)
Más información sobre Collect Art Fair:
Se prohíbe el uso de texto y las imágenes de este artículo, que se publican en Infoceramica exclusivamente para la promoción de la obra de los artistas y la feria.Queda prohibida su reproducción sin permiso expreso. Infoceramica agradece a Isabel Rodríguez y Collect Art Fair por la ayuda prestada para la realización de este artículo.